Desde hace 20 años dicto clases de Historia del Arte. Como vicio profesional no puedo evitar, al entrar a una exposición, clasificar las obras según el sistema de géneros creado por las Academias de Bellas Artes europeas en el siglo XVII. Los géneros pictóricos fueron establecidos como un sistema que permitiera categorizar, ordenar y jerarquizar los diferentes temas recomendados para ser tratados por los artistas, sobre todo los pintores, en aquel momento. Reinventados y actualizados, algunos de aquellos géneros siguen vigentes en el arte contemporáneo no sólo como recursos para la realización sino también como categorías de análisis. Por eso al llegar a la Sala Subterránea de la Biblioteca Rivadavia y encontrarme con las pinturas de Alejandro Cides, fue inevitable poner en juego el hábito y encuadrarlas bajo el grande y confortable paraguas del “paisaje”.

Siguiendo con los vicios profesionales, podemos recuperar algo del origen de este género tan visitado en el siglo XIX y todavía hoy vigente. La expresión “bellos pedazos de países” fue utilizada por el pintor de la corte y tratadista italiano Vicente Carducho ya en el 1600. Se refería a un paisaje concreto situado a orillas del río Manzanares en España. La frase resume tanto la génesis del género como la del concepto, remitiendo a la selección concreta de un lugar a la vez que a su valoración estética. En definitiva, el término designa la selección, el recorte y señalamiento concreto de un determinado territorio, así como su representación.

El género en cuestión se fue cargando de codificaciones y convenciones a lo largo de los siglos, entre ellas los indicadores espaciales, los gradientes de color, textura y tamaño y, particularmente entre los artistas rioplatenses, el formato apaisado. Recorriendo la sala noto agradecida que Cides está decidido a romper varias de aquellas codificaciones centenarias. Aunque reconozcamos inmediatamente vistas de la pampa húmeda bonaerense (mucho cielo, algo de tierra y pastizales, montes y algunos árboles) no hay formatos apaisados que acentúen la horizontalidad del territorio: el formato que persiste es el pequeño rectángulo vertical. El horizonte insiste y, sin embargo, entre el cielo y la tierra o uniendo ambos, una serie de apariciones nos sorprenden rompiendo más radicalmente toda convención. Entre el paisaje y nosotros, obturando, enmarcando o resaltando zonas de la representación, surgen elementos extraños: filosas geometrías de colores estridentes, escalas cromáticas como tótems, gráficos con los colores del espectro insertados en el terreno o adentro de una nube, marcos recortados señalando alguna zona del cielo o líneas verticales como lanzas atravesando la superficie de la tela. Muchos de estos elementos remiten a ejercicios propios de la formación artística. Docente de arte durante muchos años, esos recursos ya forman parte del inconsciente pictórico del autor, como un sistema de escritura ideográfico de un país de pintores. Alejandro los inserta en sus cuadros y genera así un contraste con el tratamiento naturalista de las imágenes, logrando de este modo ese efecto de extrañamiento tan anhelado por los formalistas rusos en la experiencia poética. Para ser sincera, yo también anhelo tener algún tipo de des-automatización perceptiva cuando me encuentro frente a una obra ¿para qué el arte, si no?